Richard Strauss. Vita e metamorfosi di un eroe sonico
L'11 giugno il mondo celebra il 150 ° anniversario della nascita di Richard Strauss. E oggi, ascoltando le sue opere, ci chiediamo quale sia stato il dramma del destino e della creatività del grande maestro. Qual è stato il grande Strauss e cosa gli ha permesso di creare così tanti capolavori dell'arte musicale mondiale? Parliamone in questo articolo.
Richard Strauss (tedesco Richard Strauss, 11 giugno 1864, Monaco, Germania - 8 settembre 1949, Garmisch-Partenkirchen, Germania) è noto a noi non solo come un eccezionale compositore tedesco e direttore sinfonico - numerosi esperti e ammiratori del suo lavoro riconoscono lui come genio, innovatore, creatore di nuove forme musicali e drammatiche e immagini musicali uniche. Richard Strauss ha dedicato tutta la sua vita allo sviluppo della cultura musicale tedesca.
La maggior parte dei suoi contemporanei amava la musica di Strauss, deificando il suo talento, e i teatri d'opera hanno combattuto per la vita o la morte per il diritto di mettere in scena le sue opere. C'era anche chi non l'ha accettato, lo ha condannato, criticato, ridicolizzato e perfino demonizzato e proibito.
L'11 giugno il mondo celebra il 150 ° anniversario della nascita di Richard Strauss. E oggi, ascoltando le sue opere, ci chiediamo: qual è stato il dramma del destino e dell'opera del grande maestro? Com'è stato per lui, dopo aver vissuto gli anni felici della fioritura della pacifica Germania, nel bel mezzo della sua vita creativa, diventare un partecipante involontario all'aggressione militare del Secondo, e poi del Terzo Reich, trovandosi in una atmosfera di degrado morale e caduta spirituale del suo popolo? Qual è stato il grande Strauss e cosa gli ha permesso di creare così tanti capolavori dell'arte musicale mondiale? Parliamone in questo articolo.
COSA C'E 'OLTRE LA FORMA
Ogni brano musicale ha una forma e la forma deve corrispondere al contenuto. In sostanza, nell'arte armoniosa e sana, è il contenuto che sceglie la forma per la sua piena e adeguata espressione. Non il contrario. Qual è questo contenuto? Questa è una domanda davvero interessante …
La risposta è semplice. Il contenuto di un brano musicale è una ricerca interna, un desiderio, una mancanza del suo autore. Questo non è il desiderio del nostro corpo, ma qualcosa di più, che va oltre il basilare "mangia - bevi - respira - dormi" in varie varianti, un desiderio in più oltre alla natura animale. Questo desiderio non è materiale, ma da questo non diventa secondario. Al contrario, l'artista, come si suol dire, non può né mangiare né dormire finché non ha creato la sua opera.
La ricerca interiore di qualcosa al di là del mondo fisico, la ricerca della causa principale dell'esistenza stessa del mio "io" - questa è un'aspirazione comune per un certo tipo di persone che nella psicologia dei vettori di sistema sono chiamate proprietari del suono vettore. E un dono speciale dei compositori del suono è la capacità di fondere questa aspirazione nella creatività musicale, unica nella sua profondità e ricchezza di contenuti.
A queste persone manca la musica così tanto che la fanno ogni giorno e sviluppano l'abilità di suonare non per se stessi, ma per gli altri. È significativo che ci siano molti meno musicisti-esecutori di quelli in grado di suonare da soli. Cosa significa questo? Sul fatto che per diventare un compositore, non si deve solo desiderare qualcosa di più di un semplice riempimento del proprio "desiderio" fisico, cioè non solo essere un ingegnere del suono, ma imparare a portare la propria ricerca interiore verso l'esterno e condividere quello che senti nelle profondità dell'inconscio con gli altri …
Infanzia e adolescenza
Fin dall'infanzia, Richard Strauss amava studiare ed era uno studente molto diligente. Ha iniziato a comporre all'età di sei anni e ha riempito un'enorme quantità di spartiti, sviluppando la sua capacità di comporre e registrare musica, sebbene in questa fase le sue composizioni fossero imitative. Gli sforzi del ragazzo resero felice suo padre, che fece di tutto per evitare che suo figlio cadesse in un prodigio distruttivo, ma sviluppò gradualmente e profondamente il suo talento nella chiave del classicismo tedesco, seguendo le orme di Mozart, Haydn, Bach, ma in nessun modo il "terribile" Wagner, che Franz Strauss odiava ferocemente.
Il famoso suonatore di corno francese dell'epoca, Franz Strauss aveva un carattere difficile. Secondo una serie di descrizioni, possiamo dire che possedeva una combinazione di vettori anale-pelle, che combinava il dispotismo anale con un desiderio della pelle di una rigida disciplina e controllo. Ha sempre avuto la sua opinione e l'ha espressa non senza aggressività, cosa che gli è valsa l'antipatia dei dirigenti e dei membri dell'orchestra dell'Orchestra di Monaco, in cui ha lavorato per tutta la vita. La madre di Richard, proveniente da una famiglia di famosi birrai Pshor, era una donna tranquilla e gentile con frequenti attacchi di depressione, il che suggerisce che avesse un vettore sonoro. Dopo tutto, sono le persone sane che cadono preda della depressione.
L'istruzione di Richard era multiforme. Lo sviluppo del vettore visivo non rimase indietro rispetto allo sviluppo del suono: il giovane Strauss amava appassionatamente le belle arti ed era molto esperto in pittura. Leggeva molto e frequentava attivamente l'opera e le sale da concerto. L'unico argomento che non gli piaceva particolarmente era la matematica. Quaderno scolastico conservato del piccolo Richard sull'argomento con schizzi di un concerto per violino invece di equazioni. Tuttavia, il futuro compositore aveva ancora un vettore pelle: in futuro, Richard non avrà problemi né con i calcoli né con l'economia, le caratteristiche distintive del vettore pelle. Era solo che il conteggio non era il suo principale interesse: i vettori superiori chiedevano di più.
Se ti immergi nella descrizione della sua infanzia e giovinezza, è difficile non notare quanto armoniosamente, con il sostegno collettivo di coloro che lo circondano, tra i quali dopo la partenza del diciannovenne Richard per Berlino c'erano già musicisti del di altissimo livello, il futuro compositore è cresciuto e si è sviluppato. Grazie agli sforzi dei suoi genitori e dell'ambiente, Richard aveva condizioni quasi ideali per lo sviluppo del legamento sonoro-visivo dei vettori.
A Berlino Strauss era popolare, era invitato ovunque: alle cene in belle case, alle prove dell'orchestra e alla prima di opere. Essendo un giovane concentrato di energia, Strauss spesso sfrecciava tra un numero infinito di progetti musicali, iniziando affari con pianisti, violoncellisti, critici o giornalisti. Aveva 20 anni, viveva in modo frugale, spendeva saggiamente i soldi dei suoi genitori in opere e concerti e sapeva esattamente cosa voleva.
Richard è stato patrocinato da Hans von Bülow, una delle personalità più brillanti nella storia della musica, un direttore sinfonico e un pianista straordinario, uno studente di Liszt e un seguace di Wagner. L'attenzione di Bülow fu attirata dai primi lavori di Strauss: "Festive March" e Serenade per 13 fiati in mi bemolle maggiore. Era Bülow che era destinato a svolgere un ruolo decisivo nella vita di Strauss.
Inoltre, Strauss è riuscito a fare amicizia con Cosima Wagner. L'ex moglie di Bülow, Cosima, lasciò il marito, innamoratasi di un uomo che era un dio per lo stesso Bülow, Richard Wagner. Trattò il giovane Strauss con grande simpatia e lo sostenne come direttore e compositore.
Durante questi anni berlinesi, Richard Strauss si sviluppò come un giovane attraente, molto istruito, ossessionato dalla musica, con un carattere vivace, aperto e impulsivo.
Sulla base di quanto sopra, possiamo completare il ritratto sistemico del compositore. A guidare l'insieme dei vettori di Strauss, ovviamente, era il vettore sonoro dominante. Richard viveva per la musica e per il bene della musica, questo era il suo significato, la sua idea. I vettori di fondo ben sviluppati gli hanno permesso di manovrare facilmente nel terreno difficile della capitale tedesca. C'era abbastanza perseveranza anale in lui per studiare e fare tutto con alta professionalità, qualunque cosa avesse intrapreso. Aveva abbastanza ambizione della pelle per costruire la sua carriera musicale. Il vettore visivo gli ha permesso di non esimersi dall'uscire e di comunicare costantemente con il pubblico. E l'elevato temperamento ha reso possibile tutto ciò con passione e zelo speciali.
Non ci vorrà molto perché un diamante di nome Richard Strauss acquisisca tutte le sue sfaccettature e si trasformi in un diamante scintillante.
PROPRIO MODO
Prima di trasferirsi a Berlino, Richard Strauss era sotto l'influenza inesorabile di suo padre. In un primo momento, era ancora conservato - attraverso la corrispondenza. Ma è arrivato il momento in cui Richard è riuscito a uscire dalla sua influenza e iniziare la propria ricerca, non senza l'influenza di personalità originali ed eccezionali, incontri con cui il destino gli ha dato così generosamente.
Una delle ispirazioni di Strauss fu Alexander Ritter, un violinista mediocre e compositore mediocre, ma un uomo colto e colto e un appassionato seguace di Wagner. Le idee e le riflessioni filosofiche di Ritter servirono da catalizzatore per un nuovo ciclo nella ricerca spirituale e musicale di Strauss.
La prima trasformazione del suo mondo interiore è stata l'inevitabile conversione in un fan della creatività e delle idee filosofiche di Richard Wagner. Si dice che l'amore di Strauss per l'opera Tristano e Isotta fosse così profondo e forte che negli ultimi anni della sua vita ne portò costantemente con sé la colonna sonora come un talismano.
Il manifesto musicale del giovane Richard da una lettera a von Bülow suonava così: "Per creare un'opera d'arte che sia compatibile nello spirito e nella struttura, che provochi impressioni tangibili per l'ascoltatore, il compositore deve pensare per immagini visive se vuole per trasmettere la sua idea all'ascoltatore. Ma questo è possibile solo se la composizione si basa su un'idea poetica feconda, indipendentemente dal fatto che il programma lo accompagni o meno ".
È qui che si trova l'intreccio di approcci visivi e sonori alla creazione della musica, invisibile a un ricercatore non sistemico, che ha costituito la base del lavoro di Strauss e formato il modello unico delle sue opere. Per spiegare l'importanza di questo plesso, facciamo un passo da parte.
Richard Strauss era destinato a vivere in un tempo unico - alla rottura di due epoche storiche tra la fase di sviluppo anale in uscita e quella in arrivo. L'inizio di questo processo coincise con la giovinezza di Strauss. Davanti a loro c'erano ancora le fatali convulsioni della parte anale reazionaria della società, incarnate nella creazione dell'idea di una razza superiore e che portarono all'omicidio di milioni di persone. Davanti a loro c'era ancora un'amara consapevolezza dell'orrore dell'ascesa perfetta e senza precedenti delle idee dell'umanesimo.
Mentre tutto questo stava ancora maturando nelle profondità dell'inconscio collettivo e spuntando con rari picchi di prova sulla superficie delle vite umane, una cultura di massa standardizzata per tutti era nata nelle opere dei maestri d'arte. “Portando” l'arte alle persone vestendola in forme visive accessibili alla maggior parte della società, compositori come Richard Strauss hanno contribuito alla creazione della cultura di massa.
CREAZIONE
Richard Strauss, come un vero dermatologo, era un fanatico assoluto della musica. Aveva il terrore di non lavorare. Comporre musica e suonare erano la ragion d'essere della sua vita.
Nella prima fase del suo lavoro, Strauss, influenzato dalle idee di Wagner, creò diversi vivaci poemi sinfonici, in cui la trasformazione del linguaggio musicale per creare vivide serie visive divenne sia un obiettivo che un mezzo. Linguaggio armonico capiente, melodia caratteristica, orchestrazione abbagliante hanno permesso allo spettatore di vedere il mondo attraverso gli occhi del personaggio principale dell'opera.
L'eroismo dello spirito, l'incredibile energia, la più sottile poesia musicale dei sentimenti - tutto questo ha travolto l'ascoltatore con una valanga, non dando la possibilità di rimanere indifferente. Sia un assolo di violino che un tema di danza scritto nello stile del valzer viennese potrebbero essere elegantemente poetici per Strauss. Una sensazione di bellezza e armonia di vita, pathos romantico di eroismo, presenza femminile, franchezza impavida degli impulsi sessuali hanno letteralmente permeato le sue opere.
Come il più perfetto di loro, si può individuare il poema "Don Juan", che, con orgoglio di Strauss, ha diviso il mondo dei suoi ascoltatori in ardenti ammiratori e non meno ardenti oppositori. Al giorno d'oggi, più di una melodia di film è stata copiata dai deliziosi temi di Don Juan. È a Richard Strauss che dovremmo essere grati per i successi scintillanti dei film di Disney e Hollywood.
Ben diversi erano i poemi sinfonici "Morte e illuminazione" e "Così disse Zarathustra", che riflettevano la ricerca sonora del maestro. In loro, il centro dell'attenzione di Strauss non era la vita fisica ribollente e le buffonate coraggiose degli eroi, ma la ricerca interiore e il desiderio di conoscere se stessi.
Death and Enlightenment (1888-1889) è un poema di straordinaria bellezza, che incarna il suono dello stato di una persona gravemente malata e profondamente sofferente, tormentata dalla domanda su quale sia il significato di tutto ciò che chiamiamo vita. Cerca di risolvere l'enigma della vita risolvendo l'enigma della morte.
La poesia riflette una ricerca interna, ma, ovviamente, non può dare una risposta. La consapevolezza di sé, la corretta concentrazione del pensiero è il lavoro individuale di ciascuno come particella della società, che nessuno può eseguire per un altro. Il compito del compositore è risvegliare queste domande nell'ascoltatore.
La prima frase famosa in tutto il mondo del poema Così disse Zarathustra (1896):
Dall'età di trent'anni, Strauss iniziò a mostrare un vivo interesse per la scrittura di opere. Nel 1894 creò l'opera Guntram. È significativo che, inizialmente a seguito dell'influenza di Ritter, Strauss si ritirò improvvisamente anche dalla sua visione del mondo appena acquisita e in un colpo solo divenne più a sinistra del suo mentore di sinistra. Il personaggio principale dell'opera non segue la trama originale e invece di arrendersi volontariamente alla corte religiosa per l'omicidio di un cattivo nel finale, va in una ricerca morale e cerca una risposta per ciò che ha fatto solo nella sua coscienza. Sfortunatamente, il pubblico e persino Ritter, volando sulle ali delle idee progressiste, non erano pronti per una simile svolta. Erano indignati dalla riluttanza di Strauss a dare il suo eroe alla mercé della legge. L'opera fallì e la posizione morale di Strauss fu respinta. Per un po…
La seconda opera, Lack of Fire, scritta nel 1901, era un tentativo di affrontare il tema più universale che la donna è il centro dell'essere e la forza trainante per l'uomo. Strauss ha affrontato questo argomento dall'esterno, il che ha impedito anche la crescita della popolarità di quest'opera. Con sincera sorpresa di molti contemporanei, il principale rappresentante dell'élite aristocratica di quel tempo riconobbe l'opera come oscena e non degna di attenzione.
La musica di quel tempo, cercando di consolidare la posizione del romanticismo classico (La regina di picche di Tchaikovsky, 1890; Sinfonia da Novy Svet di Dvořák, 1893; Verdi Falstaff, 1893), rimase ancora fedele alle tradizioni. Su tutto il fronte musicale, però, i cambiamenti erano già visibili. Le sinfonie di Mahler, le canzoni su versi di Baudelaire e Afternoon of a Faun di Debussy parlavano già la lingua post-wagneriana.
Nel tentativo di svelare la fonte dei desideri umani e il loro significato, i compositori hanno dimostrato una brama di colori inebrianti, ritirandosi nel mondo dei sogni e hanno iniziato a usare la sessualità nell'arte. Tutto questo può essere rintracciato nelle opere di Strauss. È stato in grado di esprimere in vivido contrasto nella musica le emozionanti questioni dell'esistenza umana: seduzione e disobbedienza, principi maschili e femminili, vita e morte, sesso e omicidio.
"SALOME"
Jokanaan, il profeta religioso, è imprigionato nel palazzo di Erode. Un'adolescente di 15 anni, figlia della moglie di Erode, Salomè, si innamora del profeta. La rifiuta. Salome balla la danza dei sette veli per Erode. Soddisfatto della danza di Salome, Erode le promette di soddisfare ogni suo desiderio. Salome chiede la testa di Jokanaan. Erode è costretto a giustiziare il profeta. Quando il capo di Jokanaan viene portato alla ragazza, esprime apertamente il suo amore per il defunto prescelto. Questo è confuso e scioccante per i testimoni. Salome viene uccisa.
L'opera Salome è stata rappresentata per la prima volta a Dresda. Fu vietato a Vienna e fu costretto a essere rimosso durante una proiezione al Metropolitan Opera di New York. Il 16 maggio 1906, Salome fu rappresentata nella città austriaca di Graz. Tra gli spettatori c'erano Mahler, Berg, Schoenberg, Puccini, Zemlinsky, la vedova di Johann Strauss e molti altri. Numerosi amanti dell'opera e persino teste coronate hanno assistito a questa performance. Anche il personaggio immaginario Adrian Leverkühn, l'eroe del romanzo di Thomas Mann Doctor Faustus, era lì insieme al diciassettenne Adolf Hitler …
L'opera è stata un clamoroso successo. Nonostante l'ambiguità provocatoria, c'era qualcosa in questa musica che non lasciava nessuno indifferente. L'audacia con cui l'autore ha esaminato argomenti precedentemente completamente proibiti ha scioccato il pubblico tanto quanto il soggetto dell'opera stessa. Il pubblico di quel tempo vide scandaloso nella dissolutezza della corte del re Erode, nel comportamento sfrenato della principessa Salome, e alla fine dell'opera - nella brutta scena della negromanzia e nel trionfo francamente sessuale della folle Salomè su Jokanaan.
Come vediamo quest'opera oggi?
Una ragazza di 15 anni vive nel palazzo del patrigno Erode, che la molesta nonostante la vicinanza della madre. Salome incontra Jokanaan, che è chiamato un famoso profeta nell'opera. Strauss non era religioso e sapeva di non rappresentare Jokanaan nella migliore luce per un profeta. Il suo carattere si è rivelato limitato e non spirituale. Jokanaan ha risvegliato a Salomè un appassionato desiderio d'amore.
Non era affatto l'esplosione romantica di sentimenti di una ragazza ingenua che desidera la benedizione dell'uomo di Dio, come Lord Chamberlain ha insistito nel mostrare questo prima della produzione dell'opera a Londra nel 1910. Per Salome, questo amore era il risultato di un'improvvisa intuizione che "il mistero dell'amore è più grande del mistero della morte". Il suo franco monologo finale con la testa di Jokanaan, battezzato "necromanzia", si conclude con le parole mesmeriche:
E! Ho baciato la tua bocca, Jokanaan, ho baciato la tua bocca.
C'era un sapore pungente sulle tue labbra. Aveva sapore di sangue?..
Forse questo è il sapore dell'amore. Dicono che l'amore abbia un sapore acuto.
Ma ancora. Non importa. Ho baciato la tua bocca, Jokanaan, ho baciato la tua bocca.
Sono passati circa quarant'anni dalla prima produzione del "Tristano" di Wagner. Nel finale di Tristano, Isotta “irradia amore” anche sul corpo del morto Tristano. Ma tra le due finali, Tristan e Salome, c'è un abisso. Nel primo caso, la tragica coppia non ha potuto realizzare la loro relazione a causa delle norme sociali: nel regno del conservatorismo anale, una donna sposata non può essere felice con il migliore amico del marito, anche se lui nobilmente ha deciso di dar loro questa opportunità.
In "Salome" la tragedia di un piano diverso: è una lotta mortale per la soddisfazione dei propri desideri, che mostra la disponibilità di una persona a utilizzare qualsiasi mezzo per raggiungere l'obiettivo. E non per niente la protagonista è una ragazzina. È come l'incarnazione di una nuova generazione con un crescente desiderio di ricevere, con un enorme, ancora più complicato malinteso mentale e completo di se stessa, la perdita delle linee guida morali.
Durante la sua vita, Strauss ha cercato il libretto perfetto per l'opera perfetta. Ha scritto 15 opere e la sua ricerca creativa in questo genere è stata insolitamente ampia. "Chevalier of the Roses" - un'opera comica, una delle più amate dal pubblico, è stata concepita da Strauss come una commedia musicale con tratti di parodia. La sceneggiatura è stata scritta da un brillante librettista di nome Hoffmannsthal come stilizzazione delle opere del XVIII secolo e in particolare delle opere di Mozart. Gli anacronismi erano deliberatamente consentiti nella musica: mescolando le melodie dei vecchi tempi con i valzer viennesi del XIX - XX secolo.
A prima vista, l'opera, leggera nei contenuti, include il personaggio principale Marshalsha, una donna brillante e attraente, una posizione elevata nella società, il conte Ottaviano, un giovane di 17 anni innamorato di Marshalsha, Sophie, la sposa di Cugino di Marshalsha. Durante il corso dell'opera, Ottaviano si innamora della giovane Sophie. Nell'ultimo atto, suona il famoso trio, dove Marshalsha rifiuta Ottaviano e lo convince a collegare la sua vita con Sophie. La parte di Ottaviano è stata scritta per mezzosoprano, nella tradizione dell'opera del XVIII secolo. L'opera è permeata di dettagli di graziosa frivolezza. Il personaggio del maresciallo ebbe un successo particolare per Strauss, e lo considerava una delle sue migliori creazioni.
Se Strauss scriveva poesie sinfoniche con tratti visivi brillanti, in un cambio rapido simile alla pelle di piccoli episodi e vari personaggi, allora nelle sue opere si affidava principalmente ai valori del vettore anale e spesso sceglieva soggetti del passato, anche il passato antico per loro. Ad esempio, in un'opera come Electra, il nucleo emotivo è il risentimento anale e la sete di vendetta, distruttivi sia per l'oggetto che per il soggetto di ciò che sta accadendo.
Nel "Cavaliere delle rose", il tema di una bellezza trentenne "invecchiata", che perde o cede volontariamente un giovane amante al suo pari, evoca un sentimento di genuina tristezza, sebbene Marshalsha non sia uno di quelli che soccombere alla tristezza. Soprattutto, troverà un degno sostituto di Ottaviano e sarà dimenticata nel nuovo romanzo. In un modo o nell'altro, l'ultimo trio suona come un indimenticabile episodio di addio all'amore, e la leggera tristezza e la bellezza della musica non nascondono la vera tragedia di questo momento per una donna affascinante che è consapevole dell'inevitabilità del passaggio di tempo.
GUERRA
"Metamorphoses, o Concerto per 23 archi" è una delle ultime opere di Strauss, iniziata nel 1943, quando il Teatro dell'Opera di Monaco fu distrutto, con il quale fu collegata quasi tutta la sua vita. Le Metamorfosi furono completate due anni dopo, nel 1945, dopo l'incendio e la distruzione dell'Opera di Vienna, dopo il bombardamento barbaro e strategicamente insensato di Dresda.
La musica dello spettacolo è permeata di dolore per la morente cultura tedesca. Lo spettacolo utilizza citazioni da Tristano e Isotta di Wagner, un tema dell'ultima opera di Strauss, Arabella, e un tema di marcia funebre dalla Sinfonia eroica di Ludwig van Beethoven. Nella partitura, questo tema è accompagnato dalle parole "inmemoriam".
I musicologi hanno a lungo discusso su chi sia dedicato questo spettacolo. Si è scoperto che negli ultimi anni Strauss ha studiato le opere di Goethe per comprendere le radici del male nell'uomo, responsabile di eventi terribili come la guerra. Durante la guerra, Strauss ha dovuto attraversare molte cose. Sua nuora, moglie del suo unico figlio e madre di due nipoti, era una donna di origine ebraica. Per salvare le vite di queste persone a lui molto care, Strauss ha servito per qualche tempo come ministro della Cultura nel Terzo Reich, dove è stato nominato senza alcuna consultazione con lui.
Strauss non ha svolto questo ruolo per molto tempo, poiché ha rifiutato di rimuovere il nome del librettista Stefan Zweig, che era in esilio a causa della sua nazionalità, dal programma della sua nuova opera Silent Woman. Ben presto, la Gestapo intercettò una lettera schietta di Strauss a Zweig, dove scrisse del suo disprezzo per i nazisti. Strauss fu rimosso con urgenza dall'incarico e probabilmente sarebbe stato ucciso se non fosse stato per la sua fama e autorità in tutto il mondo. Suo figlio e sua nuora furono rapiti una volta dalla Gestapo e trascorsero diversi giorni in prigione, fino a quando Strauss tornò urgentemente dal suo tour per chiedere il loro rilascio.
I suoi nipoti, quando dovevano andare a scuola durante la guerra, furono aggrediti e vittime di bullismo da parte dei residenti locali. Sono stati sputati addosso e intimiditi. Dopo la guerra, Strauss fu processato in relazione al suo lavoro per il Terzo Reich prima della guerra e fu completamente assolto. Dopo la guerra, la sua popolarità è stata ripristinata. Una volta, attraversando il confine tra Francia e Svizzera per essere curato in un sanatorio svizzero, Strauss ha dimenticato tutti i documenti. Le guardie di frontiera francesi lo hanno riconosciuto, lo hanno accolto con rispetto e lo hanno lasciato attraversare il confine, nonostante la mancanza del passaporto.
CONCLUSIONE
Richard Strauss ha vissuto una vita lunga e di successo. È sopravvissuto a due guerre mondiali e il suo lavoro e alcune delle sue azioni sono ancora interpretate contraddittorie da musicologi e storici.
Ad esempio, il creatore della musica a 12 toni, Arnold Schoenberg, una volta disse: "Non sono mai stato un rivoluzionario, Strauss è stato l'unico rivoluzionario ai nostri tempi!" Ma non è questo il caso. Richard Strauss non era un rivoluzionario che apriva la strada e mostrava la via verso il futuro; piuttosto, era l'anello di chiusura nella catena dei grandi romantici.
La lunga e insolita carriera musicale di Strauss si è conclusa con le ingegnose Four Last Songs. Dopo una vita davvero ben vissuta in queste canzoni, ha superato tutti nella capacità di guardare la morte negli occhi senza paura. Così, nella divina bellezza di queste canzoni, l'ultimo romantico tedesco Richard Strauss ha completato il suo viaggio terreno e la sua ricerca sonora.
