Fine della pittura: bianco e nero. Parte 1
All'improvviso l'artista ha ricoperto la composizione a colori con un quadrilatero nero, quindi ha iniziato a trascrivere tutte le forme una dopo l'altra fino a quando sulla tela è rimasto un unico quadrato nero. La forza d'influenza delle proporzioni di taglia e colore trovate con precisione era così grande che divenne estremamente agitato e per un'intera settimana non riuscì a mangiare né dormire …
L'uccello esce dall'uovo. L'uovo è il mondo. Chi vuole nascere
deve distruggere il mondo. L'uccello vola verso Dio.
Hermann Hesse, "Demian"
Fine della pittura
Suprematism è un concerto in cui l'arte mondiale si è riunita per morire.
N. Punin
Nell'estate del 1915, Kazimir Severinovich Malevich lavorò sullo sfondo dell'opera La vittoria sul sole.
Questa opera suprematista di Alexei Kruchenykh, Mikhail Matyushin e Kazimir Malevich raccontava del gruppo "Budelyan", che si proponeva di conquistare una stella lontana. Il libretto utilizzava un linguaggio inesistente inventato dagli autori. La musica è stata costruita sulla dissonanza e sul cromatismo. Malevich ha lavorato su costumi e scenografie.
Cosa si può raffigurare sullo scenario di un'opera in un linguaggio inesistente? Il sole è bianco e rotondo e può essere sconfitto dal suo esatto opposto: qualcosa di nero e quadrato.
All'improvviso, l'artista ha ricoperto la composizione del colore con un quadrilatero nero, quindi ha iniziato a trascrivere tutte le forme una dopo l'altra fino a quando sulla tela è rimasto un unico quadrato nero. La forza della proporzione di taglia e colore trovata con precisione era così grande che divenne estremamente agitato e non poté mangiare o dormire per un'intera settimana. Questo quadrato nero su tela bianca era un'incredibile forma di colore. Malevich si rese conto di aver creato qualcosa di nuovo, qualcosa dopo il quale la pittura non sarebbe più stata la stessa.
Pochi mesi dopo è stata inaugurata a San Pietroburgo una mostra dal titolo "L'ultima mostra futuristica di dipinti" 0.10 ". "0" significava zero oggettività, la fine del futurismo e l'inizio del suprematismo, "10" - il numero stimato di partecipanti. Malevich era tra loro. Nell'angolo rosso, soprattutto sulle tele, dove l'icona era tradizionalmente collocata nelle capanne russe, era appeso il "Quadrato Nero". "Square" è stata subito soprannominata un'icona della nuova era.
Tra "suono" e "vista". Scioccante o concettualità?
Ancora oggi, molti accusano Malevich di cercare di diventare famoso nello scandalo. In effetti, a prima vista, una tale esposizione dell'immagine sembra scioccante. Ma se guardi da vicino ciò che ha determinato il sensitivo dell'artista, diventa chiaro quali desideri latenti hanno effettivamente plasmato il suo lavoro.
Kazimir Malevich era un polimorfo dalla doppia intelligenza astratto-figurativa, di cui sono responsabili i vettori sonori e visivi. Tuttavia, il vettore del suono è dominante e il più grande in termini di volume dei desideri. Per una persona del genere, un'idea significativa sembra un valore assoluto. Il significato per lui è Dio.
Qualunque cosa faccia un ingegnere del suono sviluppato, lo farà sempre in nome di un'idea. Fama, attenzione, onorari: tutto questo sembra piccolo e insignificante rispetto a ciò a cui ha dedicato la sua vita.
Lo scioccante è una delle manifestazioni del vettore visivo. Questo accade quando un potenziale emotivo naturalmente elevato non viene sviluppato e poi realizzato in attività utili alla società. In sostanza, scioccante è la manipolazione dell'attenzione, catturando l'attenzione del pubblico usando tecniche proibite.
Tuttavia, è impossibile incolpare Malevich per il sottosviluppo o l'attuazione insufficiente. Anche prima di scrivere The Black Square, era un maestro affermato, aveva un'ottima padronanza del modo di scrivere accademico e poteva facilmente creare qualsiasi immagine che evochi emozioni senza ricorrere a misure estreme.
Ha creato qualcosa di senza precedenti: un paradosso, un'immagine senza un'immagine. Ma non perché non potesse fare diversamente. Questo era il punto, l'idea.
Come mostrare questa immagine in modo che lo spettatore pensi, si fermi, cambi il paradigma della percezione? La coscienza esclude dal campo visivo tutto ciò che non ci viene riconosciuto come immagine. Lo spettatore percepisce le immagini non identificate come "rumore" nel canale di comunicazione, come un punto cieco. Lo spettatore semplicemente non sprecherà energia per la visione se il messaggio gli sembra privo di significato.
Il quadrato nero è il manifesto. Malevich ha utilizzato l'enfasi dimostrativa nel suo posizionamento per portare lo spettatore fuori dal solito scenario automatico di percezione. Dà al suo lavoro ulteriori sfumature di significato, rendendolo concettuale. Sembra dire allo spettatore: "Guarda, presto sarà il tuo santuario".
E così è successo. Tutto il rapido sviluppo dell'umanità nel XX secolo è avvenuto sotto la bandiera quadrata dell'intelligenza astratta.
Sono stato crocifisso con parolacce …
"L'ultima mostra futuristica" 0.10 " ha trasformato il mondo dell'arte. Audace, scioccante e incomprensibile: una tale impressione che ha fatto ai suoi contemporanei. Tuttavia, anche tra gli artisti, molti non hanno capito come valutare questo fenomeno. Una raffica di critiche cadde su Malevich.
"Sono stato crocifisso con parolacce …" - è così che inizia una delle sue poesie del 1916.
Sembrerebbe che l'artista abbia scritto e scritto un'immagine, nell'arte del Novecento, e non è così. Tuttavia, sono passati più di cento anni e il dibattito sul quadrato nero non si ferma.
In effetti, la tela di Malevich è meno che mai simile alla pittura tradizionale: cos'è questo dipinto che non raffigura nulla?
La scrittrice, pubblicista e critica letteraria russa Tatiana Tolstaya nel suo saggio "Square" suggerisce che Malevich abbia venduto la sua anima al diavolo, per cui lo ha dotato di fama eterna e influenza assoluta sull'arte e sulla cultura.
Che ci piaccia o no Black Square, ora viviamo in un mondo post-quadrato. "Square" ha avuto un enorme impatto sulla cultura e persino sulla scienza.
La ghigliottina del suo aereo nero, con un colpo preciso, divideva in due la cultura: un mondo pre-quadrato e un mondo post-quadrato. E allo stesso tempo ha benedetto la vita con molti nuovi fenomeni. Design, fotografia, cinematografia, ecc. Sono nati nel mondo post-quadrato.
Non è necessario amare la piazza nera, ma è pericoloso non capirla oggi, come essere analfabeti in una grande città. È l'ABC del linguaggio visivo moderno.
Non è affatto difficile comprendere questo paradosso dell'arte del Novecento se si guarda alla pittura attraverso il prisma della conoscenza della formazione "Psicologia sistemica vettoriale".
Cos'è la pittura?
La pittura è un prodotto di misura visiva, intelligenza figurativa.
La base della tradizione pittorica prima di Malevich era sempre costituita dall'immagine e dalla trama. Sono stati la carne e il sangue della pittura sin dal suo inizio, sin dalle prime pitture rupestri dell'uomo primitivo.
Un'immagine è un insieme di caratteristiche inerenti a un oggetto o fenomeno e un bozzolo associativo attorno ad esso. Un'immagine può essere espressa, ad esempio, da una parola in un testo o da un'immagine in pittura, scultura, danza.
L'immagine è uno strumento di presa istantanea. È una capsula. Un artista o uno scrittore comprime una voluminosa serie di informazioni in una forma semplice. La capsula dell'immagine si apre all'interno della coscienza di chi percepisce e aggiunge quei dettagli che non erano effettivamente nell'immagine o nel testo, ma avrebbero potuto esserlo.
Yuri Lotman, critico letterario, culturologo e semiotico sovietico e russo, ha richiamato l'attenzione su questa caratteristica. Ha detto che un'immagine artistica è capace di generare da sola nuovi significati.
La trama (o trama) è il contesto, le circostanze in cui esistono le immagini nell'opera. Questo è il principale conflitto drammatico che conferisce tensione ed espressione a un'opera d'arte. Nella pittura e nella cinematografia, questa tensione crea spesso un contrasto: uno sfondo colorato dinamico, molte persone corrono e gridano, e in primo piano c'è una grande figura statica monocromatica di una persona dal volto impenetrabile.
Lo status sacro della pittura e la tradizione pittorica
L'immagine è diversa dall'immagine. Di? Per il suo status speciale. Un dipinto è qualcosa che è appeso al muro, un dipinto particolarmente prezioso in un museo. Una visita alla mostra non è solo una passeggiata, è un rito. Tutta questa atmosfera sacra garantisce la fiducia incondizionata dello spettatore in ciò che è dipinto nel quadro.
È successo così perché la pittura ha avuto origine da un affresco. L'affresco nel Medioevo introduceva i soggetti biblici agli analfabeti. Doveva mostrare il contenuto della Sacra Scrittura nel modo più accurato possibile, poiché le sue immagini erano considerate affidabili da coloro che non potevano leggere da soli la fonte originale. Il dipinto ha ereditato lo status sacro dell'affresco e la sua credibilità.
La tradizione della pittura europea inizia con l'artista proto-rinascimentale Giotto di Bondone (1266 -1337). Giotto è l'ideatore del linguaggio tradizionale della pittura europea. Ottimo artista e ottimo psicologo, si è concesso per la prima volta all'interpretazione dell'autore, ripensando l'immagine e la trama. Riempie i suoi affreschi dei dettagli e dei tipi più precisi, spiati dalla vita. È stato grazie a Giotto che tutti gli artisti hanno avuto l'opportunità di gettare a volte nel cuore: "Ma io sono un artista, la vedo così!"
Questa tradizione pittorica rimase incrollabile fino alla fine del XIX secolo, quando apparvero gli impressionisti, poi i postimpressionisti, i cubisti, ecc. Tuttavia, anche la diversità delle tendenze artistiche della fine del XIX - inizi del XX secolo era collegata come un cordone ombelicale con il linguaggio pittorico di Giotto dalla presenza di un'immagine o di una trama. Questa immagine potrebbe essere ricreata dall'argilla, come quella di Cézanne, tagliata in piccoli pezzi e rimontata in un ordine casuale: il naso in una parte dell'immagine, l'occhio nell'altra, come in Picasso. Ma è sempre stato, anche se in una forma distrutta.
Sotto Pietro I, la Russia ha adottato la tradizione artistica europea e si è sviluppata in essa con un certo ritardo fino alla fine del XIX - inizio XX secolo. Non avevamo l'impressionismo e il cubismo, ma all'inizio del XX secolo apparvero molti artisti interessanti e originali che scuotevano la rigidità delle tradizioni. Questa è l'associazione artistica "World of Art" guidata da Alexander Benois, "Jack of Diamonds" con Konchalovsky, Mashkov, Larionov, Lentulov. "Futuristi" - i fratelli David e Vladimir Burliuk, Natalia Goncharova e altri. Anche Kazimir Malevich iniziò a creare con i futuristi.
Perché una piazza è la morte della pittura?
Quindi la pittura, a partire dal XIII secolo in tutto il mondo, è un'immagine e una trama. Si crede un'immagine pittorica perché sacra. E si aspettano da lui una storia, una storia, una narrazione con l'interpretazione dell'autore delle immagini da parte dell'artista.
E in Russia nel 1915, nello spazio espositivo, nell '"angolo rosso", in un luogo enfaticamente sacro, compare un quadro che non raffigura nulla!
Esplosione di coscienza. Non è nemmeno una provocazione, è un sabotaggio. L'atto di distruggere la cultura, "tutto amorevole e tenero".
Come è potuto accadere che un artista normale, allora ancora futurista, Kazimir Malevich, potesse farlo consapevolmente?
La formazione "System-Vector Psychology" di Yuri Burlan distingue due tipi di intelligenza: figurativa e astratta. Corrispondono ai vettori visivi e sonori …
Leggi la continuazione negli articoli "Black Square": Believe or Know? Parte 2 e Intelligenza al quadrato: il cosmo nero del pensiero astratto. Parte 3
