Di cosa parla la "Disgusting Art History"
Qualsiasi arte dovrebbe essere vista dal punto di vista del tempo in cui è stata creata, basata sulla mentalità di un determinato paese e sulle proprietà specifiche insite nell'autore dell'opera. Ciò presuppone la presenza non solo di un'enorme quantità di conoscenza, ma anche il desiderio di comprendere la psiche di una persona che ha vissuto a lungo in un punto specifico del pianeta Terra. E solo allora puoi ottenere un ritratto psicologico oggettivo del creatore e capire il suo lavoro …
Nel 2019, la casa editrice Eksmo ha pubblicato il libro Disgusting Art. Umorismo e orrore dei capolavori della pittura”. L'autore, critico d'arte per educazione, con eccellente erudizione e spumeggiante senso dell'umorismo, scrive di opere d'arte mondiale da un punto di vista insolito per gli amanti del bello.
La storia di questo libro è iniziata nel blog personale dell'autore nel 2017, sotto il titolo "Critica d'arte disgustosa", ha pubblicato un'analisi del contenuto di dipinti del passato, scioccando i lettori, molti dei quali sono generalmente riconosciuti capolavori di rilevanza mondiale. L'autore presenta le trame di questi dipinti in un linguaggio moderno alla maniera di un vivace discorso colloquiale, senza la somiglianza scientifica adottata dagli intellettuali e il velo di argomenti acuti che non sono accettati per la discussione nello spazio culturale. Sotto la sua penna, i miti della Grecia antica e le storie bibliche hanno gettato via gli abiti culturali e si sono trasformati in racconti di cannibali, stupri, rapine, omicidi, crimini e tutti i tipi di mutilazioni che persone, eroi e dei, santi, re e martiri si infliggono l'un l'altro.
Il blog è diventato rapidamente popolare. Nel 2019, la casa editrice Eksmo ha pubblicato il libro Disgusting Art. Umorismo e orrore della pittura di capolavori”in migliaia di copie. Il libro è diventato un bestseller. Come scrive la stessa autrice, il libro contiene "le mie stupide barzellette sull'arte e immagini assetate di sangue su stupro, cannibalismo, cavare uno spioncino e altre delizie".
Mi sono più volte imbattuto nel fatto che molte persone intelligenti, sottili e intelligenti sono trascinate da questo fenomeno e assorbono con occhi ardenti storie di "storia dell'arte disgustosa".
In questo articolo, ho cercato di capire qual è l'essenza di questo fenomeno, chi è il consumatore di tali storie e se questo contenuto è utile alla società. Cosa c'è dietro la "disgustosa storia dell'arte": la luce della conoscenza, come la posiziona l'autore, o la svalutazione delle opere d'arte mondiale riconosciute dall'umanità? O forse la verità sta da qualche parte su un piano diverso, non legato all'arte?
Partiamo da lontano e ripercorriamo la storia dell'emergere dell'arte, come ci viene rivelata da Yuri Burlan al corso "Psicologia dei sistemi-vettore".
Nell'inconscio dell'umanità, la natura ha due desideri fondamentali: autoconservazione e riproduzione. Da ciò derivano due aspirazioni fondamentali: mangiare per vivere e continuare se stessi nei bambini. Pertanto, il sesso e l'omicidio sono stati i motori principali della vita di ogni persona per molte migliaia di anni. E oggi le persone, essendo in uno stato archetipico e sottosviluppato, amano soprattutto discutere di questi argomenti, spettegolare sulle panchine e guardare i film: chi ha ucciso o mutilato chi e chi è entrato in una relazione intima con chi.
Per preservare la specie dall'estinzione, le persone hanno stabilito tabù e leggi inscritte nella nostra evoluzione. Il secondo deterrente è stato l'emergere della cultura. Come risultato di un lungo e complesso processo di evoluzione della nostra psiche, le persone hanno imparato a simpatizzare, entrare in empatia con un'altra persona, l'amore è apparso. Successivamente, la traduzione di questo stato nelle forme e nei colori divenne una delle principali destinazioni dell'artista.
La cultura e l'arte sono diventate strumenti che hanno frenato la tensione nella società, con il loro aiuto le persone hanno dato sfogo alle loro emozioni e si sono astenute dall'aggressività reciproca. Come?
Gli artisti in ogni momento riflettono nel loro lavoro il mondo che li circonda in forme e colori, percepiti da loro attraverso il loro organo particolarmente sensibile - la vista, e uno dei significati più importanti della creatività era e rimane ancora oggi la componente emotiva.
Provare emozione, immaginarsi al posto di un altro, dispiacersi per l'offeso, minacciare l'autore del reato, almeno pensando a proteggere i deboli - questa è una caratteristica e un'abilità di coloro che sono portatori di così- chiamato vettore visivo. Nella comunità umana, queste persone sono circa il 5%. Realizzando le loro proprietà, diventano spesso medici e artisti. Un medico è una persona che aiuta un'altra persona, guarisce la sua anima e la sua psiche, accettandolo, empatico e compassionevole. L'artista è colui che motiva lo spettatore ad amare con la sua arte visiva - perché lui stesso ama.
La cultura si è sviluppata e continua a svilupparsi parallelamente all'evoluzione umana. A livello di natura inanimata, le persone hanno potuto apprezzare la bellezza delle forme, a livello vegetale e animale, hanno imparato a stabilire e complicare una connessione emotiva con il mondo degli esseri viventi, a livello umano, idee umanistiche di altissimo livello apparve il valore della vita umana. Il quarto livello spirituale non è stato ancora rivelato dall'umanità. Ma tra i grandi artisti, veri geni, la cui psiche include vettori sia sonori che visivi, possiamo vedere tentativi di tradurre questo tema in creatività per diversi secoli.
Il grado di sviluppo del vettore visivo differisce tra i suoi vettori e determina l'interesse dell'artista per cosa e come rappresenta nel suo lavoro. Ma fondamentalmente è sempre un vivo interesse per il dipinto. Se l'artista incarna scene di paura e violenza sulla tela, se dipinge l'autolesionismo in tutti i dettagli, spaventando se stesso e spaventando il pubblico, questo indica che la sua psiche è in uno stato sottosviluppato, frustrante o stressante. Tale creatività non è utile, non fa avanzare l'umanità lungo il percorso dell'evoluzione. È un manichino.
Il leitmotiv della "disgustosa storia dell'arte" è la conversazione sui temi spaventosi che sono alla base delle trame di molte opere d'arte. L'autore del libro scrive nell'introduzione: “In molti musei del mondo si possono trovare dipinti di famosi artisti del XV - XIX secolo, che stupiscono per il loro contenuto. Qualcosa di brutto sta chiaramente accadendo su di loro: omicidi o smembramenti, mostri raffigurati o azioni indecenti, secondo noi. Per capire cosa sta succedendo esattamente sulla tela, è necessario approfondire seriamente la storia o la letteratura, ricordare eroi mitici dimenticati da tempo.
E si scopre che molti di questi personaggi orribili - criminali e vittime - hanno vagato da un quadro all'altro per secoli, dall'antichità e dal Rinascimento al romanticismo e alla modernità. Per secoli, gli artisti hanno mantenuto un interesse per questi soggetti, nonostante un numero enorme di altre storie molto più "dignitose" e belle. A seconda dell'epoca, le ragioni di questo interesse cambiano, ma la loro fonte principale rimane invariata: la necessità di comprendere ancora e ancora ciò che il più terribile può creare da una persona all'altra, la necessità di conoscere i demoni della propria anima.
Se riassumiamo gli argomenti su cui scrive l'autore, otteniamo tutti lo stesso omicidio e sesso. È questo il retroscena che l'autore della “disgustosa storia dell'arte” rivela nei suoi racconti.
Avendo raggiunto l'essenza sgradevole dei dipinti, e in sostanza - le fondamenta della vita umana così come è nel nostro inconscio, l'autore della "disgustosa storia dell'arte" pone fine a tutto ciò, lasciando al lettore che ride con un pensiero amaro: "Quindi, si scopre, cos'è l'arte! Sesso e omicidio, violenza, crimini e vizi della natura umana, ricoperti di colori vivaci e di belle forme ". Con questo approccio, la rappresentazione delle passioni della natura umana risulta essere lo scopo ultimo dell'arte, e il ruolo dell'artista è visto come i metodi di un giullare che intrattiene lo spettatore con aneddoti a colori.
Spogliare la trama, rivelare il meccanismo delle azioni delle persone, "disgustare la storia dell'arte" svaluta l'arte, presentandola come un fumetto di storie orribili, stupide o divertenti, viste in questo modo attraverso gli occhi del nostro contemporaneo.
Chi è il consumatore di questo contenuto? A chi piace prendere in giro gli eroi, esponendo il lato oscuro della natura umana? Proprietari delle stesse proprietà del vettore visivo. Molti di loro hanno un'istruzione superiore, sono stati allevati su campioni di letteratura e musica classica, visitano musei e teatri. Loro, con un velo di educazione, sono in grado di apprezzare il bello e il grazioso, ma non provano abbastanza piacere nella vita.
Intrattenendo il lettore con uno stile vivace e una trama affascinante, l'autore non mostra la cosa principale: come questi eventi sono interpretati dall'artista, come l'immagine sulla tela riflette il punto di vista dell'artista e qual è il suo messaggio per il spettatore. Ed è sempre lo stesso nei capolavori riconosciuti della pittura: accettazione, empatia, condanna della violenza e simpatia per l'offeso.
Va tenuto presente che i valori morali delle persone non sono costanti: in tempi diversi, in paesi diversi, a seconda della mentalità delle persone e della mentalità dell'artista, possono differire. E ciò che è naturale e accettato in un'epoca può essere percepito come mostruoso in un'altra. Oggi, quando l'umanesimo liberale ha elevato il valore di ogni vita umana all'assoluto, qualsiasi violenza contro una persona è inaccettabile, per non parlare dell'omicidio e dell'autolesionismo. Ma non è stato sempre così.
Diamo un'occhiata a due esempi tratti dalla storia dell'arte. Il dipinto di Rembrandt "Il Ratto di Ganimede" raffigura una trama dell'antico mito greco, in cui l'aquila-Zeus porta via un ragazzo rapito dal villaggio sotto le nuvole.
Concentriamoci su ciò che esattamente Rembrandt ritrae. The Great Dutchman mostra allo spettatore la sofferenza e la paura di un bambino piccolo rapito da un grande uccello. Secondo i canoni estetici del nostro tempo, il viso rugoso e macchiato di lacrime del bambino grasso non è l'ideale della bellezza infantile, le gambe spesse e il viso largo del bambino non provocheranno simpatia in ogni persona, ma indubbiamente la sensazione che l'artista, il padre stesso, ha per il bambino che viene ritratto. Pochi dettagli precisi - e ogni madre e padre ricorderà il proprio figlio in una situazione emotivamente simile - stringendo in mano un mazzo di bacche, con la camicia tirata su, facendo pipì in un rivolo trasparente di paura. Cosa è raffigurato esattamente in questa immagine? Rapporto sessuale inappropriato, come scrive a riguardo l'autore del blog? Non. Compassione ed empatia per un ometto che si trova in una situazione difficile.
Un altro esempio. Nel dipinto di Rubens "Il ratto di Orifia di Borea" (1715), un uomo potente tiene tra le braccia una donna gonfia. Nelle parole dell'autore di "disgustosa storia dell'arte", viene descritto come "un uomo che commette su questa tela l'atto illecito di rapire una donna dal suo luogo di residenza permanente per commettere atti sessuali regolari con successiva detenzione contro la sua volontà in un altro posto. " Il protocollo enfatizzato dal linguaggio moderno svaluta il raffigurato, e ora lo spettatore, invece di immagini meravigliosamente scritte di due belle persone con forti sentimenti, vede una banale storia di polizia.
In molti millenni di storia umana, il rapimento di donne da una tribù vicina è stato una garanzia di sopravvivenza. I matrimoni misti hanno dato una prole forte e intelligente, hanno protetto la tribù dalla degenerazione. Da quando l'istinto materno ha iniziato a essere sfruttato, la donna è stata trattata come una proprietà senza diritto alla propria vita. E ai tempi di Rubens, fondamentalmente era così. La trama di questa immagine era comprensibile per le persone del 17 ° secolo e, sebbene non dalla realtà della loro vita, è abbastanza accettabile come immagine del passato storico. La misura del XXI secolo, che è molto avanzata nel riconoscimento dei diritti di qualsiasi persona, non può essere "giudicata" dai dipinti di artisti vissuti molti secoli fa.
Cosa è effettivamente raffigurato nel dipinto di P. Rubens? Questo è il rapimento di una donna da parte di un uomo per amore del piacere, per il bene dell'esperienza più acuta e potente, di vitale importanza per qualsiasi adulto normale. Tra le braccia di un uomo forte e appassionato, una donna sottomessa, già con un rossore sensuale, pronta ad accogliere l'uomo che l'ha scelta e fare i conti con il suo destino. Non c'è sofferenza o resistenza nella sua postura, questa è una premonizione di una felicità femminile ordinaria e tanto desiderata: essere amata, essere moglie e madre. Questa è un'immagine sull'unione di un uomo e una donna, sulla loro accettazione reciproca, che è amore.
Infatti, rivelando correttamente i fondamenti della natura umana, "disgustosa storia dell'arte" pone fine al punto in cui è necessario mettere una virgola e andare oltre, comprendendo più a fondo il processo avviato dall'autore. La svalutazione dell'arte del passato da parte del caustico, a volte sul punto di non stampabile, in una parola, e la valutazione di quest'arte dal punto di vista di una persona del XXI secolo è assurda e inutile. Ciò equivale a come un adulto condannerebbe un bambino per aver fatto la cacca nei suoi pantaloni e trascinato un gatto per la coda.
Rimuovere i veli e comprendere l'essenza dietro le trame mitologiche, religiose e di altro tipo nella storia dell'umanità è il primo passo per una vera comprensione dell'arte e del suo ruolo nella storia.
Suggerirei un altro algoritmo per comprendere l'essenza dell'arte:
1a tappa: comprendere la trama di una particolare opera d'arte, "spogliare" la trama nella sua semplice essenza.
2 ° stadio: analisi sistema-vettoriale della trama sottostante una particolare opera d'arte.
3a fase: lo studio di come l'artista ha rappresentato la trama con i suoi strumenti del pittore, quali significati ha messo in essa, quali caratteristiche della percezione del mondo in essa vengono lette in connessione con la mentalità delle persone e la mentalità dell'autore dell'immagine.
Dopo aver chiarito tutte le sfumature della storia raffigurata con chiarezza cristallina, è necessario tornare di nuovo al lato formale dell'opera d'arte e attraverso gli occhi di un critico d'arte con il talento di uno scrittore in un linguaggio letterario di alta qualità per mostrare come esattamente l'artista ha adempiuto la sua difficile e nobile missione: ha risvegliato la compassione, l'amore nelle persone, il superamento dell'odio e dell'alienazione, mentre poneva domande sulla struttura dell'universo, cercava il significato della vita.
Quindi molte situazioni terribili, divertenti o ridicole catturate nella pittura saranno comprese correttamente dallo spettatore del XXI secolo e cesseranno di provocare risate idiote o amara delusione nell'arte e nel lavoro dell'artista.
Qualsiasi arte dovrebbe essere vista dal punto di vista del tempo in cui è stata creata, basata sulla mentalità di un determinato paese e sulle proprietà specifiche insite nell'autore dell'opera. Ciò presuppone la presenza non solo di un'enorme quantità di conoscenza, ma anche il desiderio di comprendere la psiche di una persona che ha vissuto a lungo in un punto specifico del pianeta Terra. E solo allora si può ottenere un ritratto psicologico oggettivo del creatore e comprendere il suo lavoro.
Scoprire cosa c'è dietro le trame di celebri opere d'arte dal punto di vista della conoscenza sistemica significa arrivare all'essenza dei rapporti umani e, attraverso le storie catturate nelle tele, comprendere letteralmente tutto ciò che muove l'umanità lungo il cammino del suo sviluppo. E poi guarda un capolavoro specifico attraverso gli occhi dei suoi contemporanei, attraverso gli occhi del maestro che lo ha creato, e capisci cosa esattamente ha ritratto l'autore - Rubens, Michelangelo, Kandinsky, Picasso - quale messaggio ha trasmesso alle persone, e valuta correttamente che tipo di contributo ha dato l'artista sulla via dell'evoluzione dell'umanità.
