Intelligenza al quadrato: spazio nero del pensiero astratto. Parte 3
L'intero percorso creativo di Malevich è un potente desiderio sonoro di sfondare i confini della realtà fisica. L'intelletto astratto ha spinto l'artista a una ricerca profonda, al desiderio di andare dietro lo schermo del visibile e del tangibile, di penetrare l'essenza delle cose …
Fine della pittura: bianco e nero. Parte 1
Quadrato nero: credi o sai? Parte 2
Nel 1927, Kazimir Malevich portò un centinaio delle sue opere a una mostra personale a Varsavia, e poi a Berlino. All'improvviso l'artista è stato richiamato in URSS. I lavori lasciati a Berlino, non poté riprendere, poiché si limitò a viaggiare all'estero. Tuttavia, lui stesso li ripeté presto. Quindi ci sono almeno quattro versioni del quadrato nero.
Prima l'immagine significava sempre l'originale. Tuttavia, Kazimir Malevich, scrivendo "Black Square" ha abolito l'unicità come qualità integrale di un'opera d'arte.
E questo era inaudito. L'immagine che viene replicata è un altro paradosso, un'altra invenzione del genio sonoro di Malevich. Un'altra delle sue profezie.
Ascolta il futuro. Pittura - in circolazione
Oggi non siamo affatto sorpresi dall'opportunità di fotografare qualsiasi opera d'arte su un telefono cellulare, inviarla all'altro capo del mondo in un secondo e stamparla lì praticamente senza perdita di qualità. All'inizio del XX secolo, nessuno pensava nemmeno che i mezzi tecnici di riproduzione e successivamente le tecnologie digitali per creare immagini che riproducono all'infinito opere d'arte avrebbero abolito la loro unicità.
Tradizionalmente, un incontro con un'opera d'arte era un'esperienza sacra speciale per lo spettatore. Guardare un dipinto significava vederne l'originale con i miei occhi. La riproduzione tecnica del dipinto era estremamente difficile. Fare copie a mano non richiedeva meno abilità dell'autore ed era impossibile in grandi quantità. La fotografia e i mezzi di riproduzione tecnica cominciavano appena ad emergere.
La natura del tratto, le caratteristiche dell'elaborazione della superficie dipinta, le sfumature coloristiche inerenti a questo o quell'artista, hanno creato un'aura speciale dell'opera d'arte.
Il nostro atteggiamento verso una pittura tradizionale somiglia sempre al nostro atteggiamento verso un'icona o altro soggetto di un culto religioso: lo percepiamo senza critiche, perché ha uno status sacro.
Il quadrato nero di Malevich era un'opera di un nuovo formato, quasi priva di unicità. L'opera, perdendo la sua aura di autenticità, perde anche il suo status sacro: una sorta di atteggiamento speciale dello spettatore nei suoi confronti, riverenza, riverenza.
La riproduzione e qualsiasi lavoro di produzione non hanno questa aura. Cose non uniche riempiono e creano la nostra vita. Non li salviamo quando una cosa si consuma, la sostituiamo facilmente con un'altra. Non siamo separati dal lavoro stampato da un bozzolo di percezioni speciali, ci sentiamo alla pari con loro. Pertanto, ammettiamo pienamente le critiche a tali opere. Non criticheremo la Gioconda, anche se l'immagine non ci piace affatto, ma potremmo anche criticare l'immagine sulla copertina del libro.
È questa facilità di riproduzione delle opere suprematiste di Malevich che mette lo spettatore allo stesso livello dell'artista, distruggendo il bozzolo dello status speciale del dipinto.
E alla fine del 20 ° - inizio del 21 ° secolo, anche il corpo umano cesserà di essere unico: le tecnologie cellulari consentiranno la crescita artificiale di organi donatori, creeranno e sostituiranno frammenti di tessuto corporeo. Quasi cento anni prima di questi eventi Malevich avrebbe dichiarato con il suo dipinto "Quadrato nero": l'unica cosa che non si presta alla clonazione è lo spirito umano, il pensiero dell'artista.
Dritto nel futuro. Quadrato nero a casa tua
Maggiore è la diffusione di un'opera, più è vicina allo spettatore e più forte è la sua influenza sullo spettatore. Passando dal pezzo alla produzione, l'opera perde la sua sacralità, ma acquista un'influenza enorme.
Le grandi tirature consentono di entrare in contatto con un numero enorme di spettatori e hanno un impatto enorme. Tale copertura non era possibile ai vecchi tempi per il quadro tradizionale. Un'opera stampata, interagendo con una persona qua e là, si attualizza costantemente. L'aura, l'atmosfera speciale che aveva il dipinto, è andata perduta, ma la forza dell'impatto aumenta molte volte.
Così, grazie alla comparsa della "Piazza Nera", la circolazione diventa un nuovo principio di comunicazione. Da quel momento in poi, tutti i principali generi d'arte influenzano lo spettatore in massa. La cinematografia e la televisione stanno diventando le più significative.
La comunicazione di massa è necessaria per creare coerenza, mentalità simile. La coerenza, in quanto sistema nervoso unificato, consente all'organismo-società di funzionare senza difficoltà, scambiare informazioni istantaneamente e non creare conflitti interni. Le comunicazioni di massa stanno diventando un'alternativa al culto religioso. Si uniscono, istruiscono, spiegano, diffondono istantaneamente la notizia, il che è molto importante per un paese enorme. Le tecnologie di comunicazione di massa - immagini stampate replicate e disegni industriali, tecnologie televisive, radiofoniche e cinematografiche - hanno ricevuto un potente impulso per lo sviluppo proprio allora, nei primi decenni del ventesimo secolo. Ecco come il contemporaneo di Malevich, il poeta, drammaturgo, pensatore e culturologo d'avanguardia Velimir Khlebnikov, interpreta il fenomeno delle comunicazioni di massa nel suo saggio-utopia "Radio of the Future":
“La radio ha risolto un problema che la chiesa stessa non ha risolto, ed è diventata necessaria per ogni villaggio quanto lo è ora una scuola o una sala di lettura.
Il compito di unire l'unica anima dell'umanità, l'unica onda spirituale quotidiana che investe il paese ogni giorno, irrigando completamente il paese con una pioggia di notizie scientifiche e artistiche - questo compito è stato risolto da Radio con l'aiuto dei fulmini. Sulle enormi libri ombra dei villaggi Radio ha stampato oggi la storia di uno scrittore preferito, un articolo sui gradi frazionari di spazio, descrizioni di voli e notizie dai paesi vicini. Tutti leggono quello che gli piace. Questo libro, uguale per tutto il paese, sta in ogni villaggio, per sempre nella cerchia dei lettori, rigorosamente dattiloscritto, silenziosa sala di lettura dei villaggi.
Gli argomenti di Khlebnikov sulla radio, che creerebbero un'ondata di idee simili, diventerebbero un libro comune in cui "tutti leggono ciò che gli piace", ovviamente, sono idealistici. La radio come canale mediatico indubbiamente unito, ha creato uno spazio informativo comune, ma ancora non ha fornito il grado di coinvolgimento che il poeta sognava. Tuttavia, circa sessant'anni dopo, quando il computer è apparso in ogni casa, Internet è diventato un tale "libro".
Velimir Khlebnikov ha previsto il suo aspetto. Proprio come Kazimir Malevich, con il suo "Quadrato nero", ha predetto l'era dei display neri dei dispositivi elettronici, che consentono di trasmettere, replicare e memorizzare immagini senza fine e senza costi.
Ognuno nel suo campo, artisti, scrittori, inventori, ingegneri del primo Novecento, ha creato una svolta culturale e scientifica, una rivoluzione della coscienza. Ma la vita dell'intera società cambia solo quando scoperte e invenzioni riguardano tutti. Ecco perché tutte le figure brillanti di quel tempo prestavano così tanta attenzione alla risoluzione dei problemi quotidiani, uno dei criteri di successo era la massima semplicità e disponibilità di riproduzione. Sono diventati un nuovo credo creativo.
Così, ad esempio, Varvara Stepanova ha creato schizzi di abiti alla moda di tutti i giorni e festivi, che qualsiasi donna potrebbe creare da sola in mezz'ora da normali asciugamani da cucina. Alexander Rodchenko, Lazar Lissitsky, insieme a Vladimir Mayakovsky, ha realizzato manifesti pubblicitari per beni e servizi. Mayakovsky ha scritto slogan pubblicitari e gli artisti hanno creato una linea visiva per loro, si è rivelata brillante, graffiante, fervente. Poesia e pittura: due generi d'élite e di alto livello sono apparsi per le strade della città e nelle case della gente comune.
Fino ad ora, a San Pietroburgo, nei negozi della fabbrica di porcellana Lomonosov, è possibile acquistare un servizio suprematista sviluppato da Malevich e dai suoi studenti negli anni '20.
Non solo l'atteggiamento nei confronti delle opere d'arte, la loro percezione, ma anche il ruolo dell'artista sta gradualmente cambiando. Un designer non è un artigiano che crea pezzi unici, ma un ingegnere, un designer. Crea sistemi e progetti replicabili. Influenza massicciamente la coscienza delle persone con colore e forma, determina la loro vita e l'ambiente. Questo è ciò che una volta sognava Kazimir Malevich.
L'essenza della pittura non è nella tela e nella cornice, e nemmeno nell'immagine dell'oggetto, così come l'essenza dell'uomo non è nella carne. Il pensiero dell'artista è più importante dell'abilità e del modo di riprodurre. L'arte può e deve essere accessibile, riproducibile e diffusa. Fu sulla base di questi prerequisiti, basati sugli sviluppi di Malevich e dei suoi collaboratori nel campo della composizione formale, che iniziò ad emergere una nuova pratica socio-culturale, che oggi chiamiamo design.
Il cosmo della sana realtà. Entrare nel suprematismo aperto
Nel 1903, Konstantin Tsiolkovsky pubblicò la prima parte dell'articolo "Esplorazione degli spazi del mondo con dispositivi a reazione", dove fu il primo a dimostrare la possibilità di voli nello spazio solare. In questo e in quelli successivi, lo scienziato ha gettato le basi della cosmonautica teorica. La sua idea era quella di viaggiare attraverso lo spazio vuoto su una propulsione a reazione.
Il proprietario del vettore sonoro, l'artista Kazimir Malevich, ovviamente, si è interessato alla sua ricerca.
All'inizio del XX secolo, l'astronautica pratica non esisteva ancora e si sapeva poco dello spazio. Il primo volo fu effettuato da Yuri Gagarin solo il 12 aprile 1961.
Ma già nel 1916 Kazimir Malevich scrisse composizioni suprematiste, in cui per la prima volta nella storia dell'arte esprime strutturalmente e composizionalmente lo stato di assenza di gravità attraverso un'immagine visiva. L'artista presumibilmente abolì la forza di gravità ed entrò nel Suprematismo aperto.
Ogni dipinto è una riproduzione dell'esperienza sensoriale della realtà. Un artista di talento è quello che lo fa di sicuro. La composizione dell'immagine, proprio come una persona, ha un lato superiore e uno inferiore, sinistro e destro. Gli elementi dell'immagine nella nostra percezione sono influenzati dalla forza di gravità allo stesso modo degli oggetti reali nella vita.
La nostra percezione si adatta alla gravità. Qualsiasi artista ipotizza queste distorsioni sensoriali della percezione. Ad esempio, una forma situata esattamente al centro geometrico del foglio sarà percepita otticamente leggermente al di sotto del centro dall'occhio umano. La nostra percezione aggiunge gravità ai nostri sensi. Questa legge universale organizza lo spazio compositivo di ogni dipinto.
E nelle composizioni suprematiste di Kazimir Malevich non ci sono alto e basso, destra e sinistra. Le forme sembrano galleggiare o sospese in assenza di gravità. Lo spazio sembra essere ampliato e appiattito e assomiglia a una vista dall'alto.
Un tale sistema compositivo è apparso per la prima volta. Molte delle composizioni di Malevich possono essere girate e non perderanno nulla. Inoltre, lo stesso Malevich, iniziando a ruotare il suo famoso "quadrato nero", notò che nella percezione si trasforma prima in una croce, e poi in un cerchio. Ecco come appariva un trittico: quadrato nero, croce nera, cerchio nero. Tre forme primarie di suprematismo.
"Black Square" divenne non solo la prima forma di Suprematismo, ma anche l'atomo della pittura. Malevich ha messo in evidenza l'essenza di qualsiasi immagine con questa immagine. Molti anni dopo, con l'avvento della tecnologia digitale, tutte le immagini iniziarono a essere costituite da molti segmenti di forma quadrata: pixel, atomi di immagini digitali. "Quadrato nero" è il primo pixel, zero forme. La prima idea sulla struttura segmentale dell'immagine che vive nel quadrato nero del monitor, dall'altra parte della realtà aggiuntiva di Internet.
Lo scopo della musica è il silenzio
“Lo scopo della musica è il silenzio” è scritto sul primo risguardo del taccuino di Kazimir Malevich, datato 1923. Quest'anno l'artista ha pubblicato il suo ultimo manifesto "Suprematist Mirror", in cui equiparava a zero tutti i fenomeni del mondo.
“Non c'è essere né in me né fuori di me, niente può cambiare niente, poiché non c'è niente che possa cambiare, e non c'è niente che possa essere cambiato.
L'essenza delle differenze. Il mondo come assenza di oggetto”.
Un analogo grafico di questa affermazione furono due tele bianche mostrate dall'artista a Pietrogrado alla "Mostra di dipinti di artisti di tutte le direzioni 1918-1923" nella primavera del millenovecentoventitre. I dipinti sono stati denominati allo stesso modo del manifesto "Specchio suprematista".
È interessante notare che, quasi quindici anni prima, Nikolai Kulbin, amico, collega e mecenate di Malevich, una figura attiva nella nuova arte di quel tempo, scrisse l'opuscolo Free Music, in cui, diversi anni prima dei compositori futuristi italiani, negava sistema di dodici toni. Kulbin è l'autore del concetto di musica non temperata, musica a quarti di tono e musica d'ambiente.
Kulbin credeva che la musica della natura fosse libera nella scelta dei suoni: luce, tuono, rumore del vento, schizzi d'acqua, canto degli uccelli. Pertanto, un compositore che scrive nel genere della musica libera non dovrebbe essere "limitato a toni e semitoni". "Usa quarti di tono, polpi e musica con una libera scelta di suoni." La musica libera dovrebbe essere basata sulle stesse leggi della musica della natura. La qualità principale della musica a quarti di tono era la formazione di combinazioni insolite di suoni, armonie, accordi, dissonanze con le loro risoluzioni e melodie. Tali combinazioni di suoni nella scala sono chiamate "dissonanze ravvicinate", il loro suono è completamente diverso dalle dissonanze ordinarie. Kulbin credeva che ciò aumentasse notevolmente le capacità espressive della musica, la capacità di materializzarsi.
Poco dopo, idee simili furono espresse dal futurista italiano Luigi Russolo nel manifesto "L'arte dei rumori".
Diversi decenni dopo, il filosofo, poeta e compositore americano John Cage comporrà la sua famosa composizione in tre parti "4'33", che sarà presentata per la prima volta dal pianista David Tudor al concerto di beneficenza organizzato a sostegno dell'arte contemporanea a Woodstock nel 1900 cinquantaduesimo anno. Durante il suono del lavoro, non è stato riprodotto un solo suono. Il silenzio è durato tre periodi di tempo, corrispondenti alle tre parti della composizione. Poi, inchinandosi, i musicisti se ne andarono e la sala esplose …
Ai nostri giorni, né la musica del silenzio né la musica rumorosa sorprendono nessuno. Gli strumenti digitali consentono di registrare, creare e mixare liberamente i suoni, modificarli, ad esempio, rimuovendo il rumore. La musica elettronica, senza un singolo suono "live", che ricorda qualsiasi strumento reale, all'inizio divenne una direzione musicale separata a tutti gli effetti, e in seguito tutta la musica si trasformò in una certa misura in elettronica, cioè divenne digitalizzata.
Sempre al nostro fianco
L'intero percorso creativo di Malevich è un potente desiderio sonoro di sfondare i confini della realtà fisica. L'intelletto astratto ha spinto l'artista a una ricerca profonda, al desiderio di andare dietro lo schermo del visibile e del tangibile, di penetrare l'essenza delle cose.
Come cambierà soggettivamente la percezione del colore, ad esempio il giallo, se applicato a diverse forme geometriche: un cerchio, un triangolo, un quadrato? In che modo i colori incolori (acromatici) influenzano questo colore: perché il giallo si spegne su uno sfondo bianco e si accende di vendetta sul nero? In che modo il ritmo e le dimensioni del punto pittorico influenzano la sensazione soggettiva del calore e della freddezza del colore? Questo tipo di domande interessava Malevich come ricercatore.
Kazimir Malevich ha cambiato per sempre non solo l'arte, ma anche la nostra vita. La sua pittura è una formula. Formula di espressività in cui l'immagine può essere ritirata. Non c'è immagine, ma c'è espressività.
L'emergere del "quadrato nero" ha cambiato la nostra vita e la nostra coscienza.
Design industriale, design grafico, design di moda, design ambientale: tante tendenze, tanti nomi brillanti. Oggi, per molto tempo nessuno si stupisce delle forme astratte di colore con cui i designer riempiono la nostra realtà. Un cerchio blu che si rivela essere una lampada. Il grande rettangolo rosso è un pulsante sul display! Le forme astratte sono diventate parte del nostro mondo.
Tutto ciò non sarebbe potuto accadere se Kazimir Malevich non avesse scritto una volta "Quadrato nero" e non avesse liberato forma e colore dai dettami di un'immagine visiva.
